工作繁忙的關係，一直無法像學生時代隨意地拿起相機亂拍，偶爾可以出國走走，又因為不常拍，從前培養的攝影感覺全都不見，打開Photoshop Bridge檢視照片時總覺的一整個慘，當我驚覺到這種苦腦，決定有一些積極的作為來挽救我逐漸消失的對攝影的感覺，常拍當然還是最重要的，但為了不只是躲在象牙塔裏瞎拍，我找了幾本書來給我指引並尋找靈感，《攝影眼：觀點、構圖、氣氛掌控》是其中的一本，前幾天搭高鐵去台南出差，剛好有點時間拿出來翻翻，發現作者對攝影的想法和我蠻搭的，只差在我總是無法用具體的語言來描述這些空泛的概念，來回三個小時還是沒能夠讀完，為了不讓剛吸收到的新想法隨時間消逝，我也隨手作了筆記與重點整裏，好讓以後可以再複習．．．
作者從頭到尾一直強調「觀點」（vision)這個概念，我把它理解成是「你的攝影圖像形成的理由」，你為什麼拍攝？你拍攝什麼？你怎麼拍攝？書中有一句話是這麼說的
只要我們的觀點越清晰，我就越能從鏡頭的選擇、曝光、構圖或是後製中找出合適的方式來表達觀點
又說
攝影是用來發覺我們的觀點，並將它以視覺的形式表現出來的方法之一
可以發現，鏡頭的選擇、曝光、構圖與後製是攝影者的四種武器（當然有可能還有其它武器），使用這些武器只是為了表達你的觀點
要吸引目光的第一步就是，用心拍攝，用影像把你喜愛、關注的事物表現出來
我發現過去我總是隨機亂拍，看到什麼就拍什麼，雖說這當中有些是我所關注的事物，但還是有程度強弱之分，等到照片都放到電腦裏了，再把覺的滿意的作品挑出來，但越不常拍，可以挑的作品便越來越才，到最後會更不想拍
攝影者創造攝影作品大都是為了吸引觀者的目光，並獲得共鳴，鮮少有人自認為有好作品卻不與人分享的，第一步，通常我們會拍我們喜歡的東西，或更深入一點來說，用自己的方法把東西拍得讓自己喜歡並獲得別人的讚賞。
越是能掌握一項工具─懂得更多的字彙、能巧妙運用文法─在溝通上就能越順暢、細緻與深入。一名好的詩人、劇作家、
作詞者、作家，總是能深深打動人心，因為他們擁有高度的語言技巧、可以用扣人心弦的方式說出故事
…善用光影、線條、陰影、對比、鏡頭、光圈、快門、iso、以及它們之間的組合…
不要把觀景窗看成是一扇窗戶的概念，而是把它想成是光線進入鏡頭之後，在對焦屏上所呈現的影像
捨棄影像元素與加入影像元素同等重要
當米開朗基羅被問到關於如何雕塑時，他回答：我僅是將大理石塊上，不屬於雕塑的部份去除，直到只留下雕塑為止
西班牙內戰攝影師Robert
Capa：如果你拍得不夠好，那是因為你靠得不夠近
個人偏好雙色調或黑白影像，它們較能把表現重點放在線條、形狀以及明暗變化上
僅把具有異國風味的被攝主體塞滿畫面並無法成為好作品，只會是一張具紀錄性質的相片；在拍攝時就必須有一種彷彿己看過它千百遍，
卻突然發現新的一面這種感覺
攝影家就如同我所知道的其它藝術家一樣，對於自己所使用的器材總有強烈的執著與感情，但在攝影上對於器材的追求的情況更是遠超過於其它類型的藝術；
我最喜歡作者C. S. Lewis 說過一句話：對於說故事的人來說，他們會愛上說故事這件事，更勝於故事內容；但我把這句話詮釋為：攝影家們容易陷入追求器材，
而非思考如何以器材拍出好作品的泥沼中；簡單來說，我容易迷思在「如何攝影(How)」，一旦處於這種況，
我們就會乎略了「攝影目的(Why)」以及「攝影題材(What)」；最重要的是要有自己的觀點，
以及熱情來拍攝一把那種言語無法形容的色彩、光影與型態透過影表現出來。
攝影家就如同其它藝術家一樣，都面對了沈迷於創作手段，而不是把重心放在作品本身或是創作動機上的危機，
對於這種現像的批判也容易讓我們進入一種故作姿態、鄙視技術的態度，然而唯有當藝術性與器、技術都能兼顧之時，
我們的觀點才有可能以最好的方式呈現出來。如果你喜歡玩技巧或是影後製，就要試著少依賴器材，多用眼睛去感受，用畫面來表現。
把你的數位單眼相機設定手動模式、只用一顆鏡頭、拍攝JPG，
不要使用後製軟體。影像要經三個階段的變化才能成為最終的攝影作品，
第一階段影像是你想中的畫面，第二階段是用相機拍攝下來的畫面，wbr>第三階段是在影像軟體中進行後製時的畫面；如果藝術家與器材玩家的個性可以和諧並存，
而各自都有很好的發揮時，透過影傳達的觀點就更加強而有力
光線上的強弱、顏色、
照射角度以及它所具有的質地會對影像的藝術性表現帶來更顯著的影響；攝影上並沒有所謂好光線與壞光線之分。
這種區別只會讓你養成挑選光的習慣，侷限你的創意，光線只是是否能能突出觀點分；只要越從光線特質這個方向去思考，
不要替光線貼上好、壞標籤，我們就越能在攝影之中掌握光線
除了要有適當的曝光之外，還要藉由曝光來表現你的想法，讓影像中的光影呈現出你想要的樣子
鏡頭焦段並非只有影響作品的外觀，它還牽涉到作品呈現的美感；了解鏡頭的特性就如同一位畫家了解不同畫筆之間的差異，
以及什麼時候適合那一種畫筆一樣重要
井字構圖法可以幫助你構圖，表現出你的觀點
如果它不是表現出你觀點的方法，調整它讓你的觀點表現出來
在影像軟體的發展過程當中，出現了兩派對立的論點，分別是擁護使用Photoshop進行後製的一派，以及只靠攝影技術來拍攝的另一派，任何一派都很少提及「觀點」這一類的看法，因此我對這兩派都沒興趣
後製如果使用上適得其反，攝影用來表現觀點的功能就會降低，而淪為技術的展示
影像後製有如數位化的暗房，它讓攝影者重新擁有對於影像的主控權，讓拍攝的作品更容易傳達出屬於自己的觀點
靈感(inspiration)這個字，有另外一個意義就是「吸氣」；有時只要能「吸入新鮮的空氣」就可以找到靈感
1. 看書 2. 觀看你過去一年或一個月裏最喜歡的影像 3.
抛開規則 4. 給自己指定作業 
觀看者在注意些什麼？那些元素最能吸引目光？該如何善用它們以獲得對觀看者注意力的進一步掌控？一般來說，與暗處相比，我們會先注意到明亮的地方，暖色系也比冷色系更容易引起注意。
大優於小；單一物體優於群體；亮優於暗；高對比優於低對比；暖色優於冷色；斜線優於直線；對焦清晰於模糊；可辯識的物體優於難辯識物體；透識感優於平面感；人類/生物優於無生命物
在大多數的地區裏，街道上演著許許多多的活動。烹煮、飲食、遊玩、工作、祭拜、戀愛，這些活動都具有濃濃的當地色彩，而拍攝它們讓你呈現出當地的特色與風采
任何影像都必須在影像細節與張力之間取得平衡，而知道那些影像需要呈現細節或是以有張力的方式表現，對於決定那個元素成為影像重點
請記住，從視覺的角度上來看，擁有太多資訊的影像將難以讓人抓住重點。單純拍攝一個擁擠、混亂的場景不代表能透過影像傳遞混亂感。
能否拍出兼具再現與詮釋的作品取決於你對拍攝地的了解有多深入(此作者指拍攝風景)，以及對於視覺語言在使用上的掌握度。一件再現的作品呈現在觀看者眼前的是「這就是維也納」。一件詮釋的作品呈現的則是「這是我所感覺到維也納看起來的樣子」。這兩者間的差別宛如，你的妻子在身分證上的證件照與你幫她拍攝的照片之間的差別。
要如何拍攝一個已經被大量拍攝，大家都熟悉的景物而又不落於俗套？
我們應該做的是，設法將新的元素加入影像之中，表現出不同的面向，或是傳遞出不同的感覺。
一幅只建築物而沒有人物的影像，看起來不僅空虛也毫無生氣。有了人物以後觀看者彷彿也能夠進入相片中的世界。它不僅形成一個讓作品與觀看者連結的點，更能讓觀看者產生移情作用。
唯有練習才能成就一切
我們能拍出清晰銳利的影像，卻只能表達出模糊的想法
我們要更了解自己的想法，減少要如何在後製中使用特效的念頭
好的攝影師不是在拍照，而是讓相片把自己的想法拍進其中
很多好的攝影書常充塞著艱澀的文字讓人難以親近，但這書卻讓人驚奇於它竟是作者的第一本書，藉著作者的文字來檢視自己的作品，可以更認識自己，知道自己的不足，近而改善與調整，比起很多討論區的攻擊漫罵更能讓攝影人值得一讀；攝影是一門藝術應該是毋庸致疑，但若憑藉著攝影藝術是主觀的美學品味判斷而不用儘量客觀的方式來修正自己的拍法實在是閉門造車，作者文字的作用就是可以把藝術化整為較為客觀方法，讓我們有所依據，且受益無窮，推薦給喜愛攝影的各位！
